Фигуративное искусство Авангарда

родился в г. Хвалынске Саратовской губернии в семье сапожника. В семье и в своём городе пользовался любовью окружающих. Начальные художественные навыки получил у местных иконописцев.

с Младенцем на стене церковной апсиды Ортопедического института доктора Вредена в Александровском парке на Петроградской стороне.Петров-Водкин. Майоликовое мозаичное панно с изображением Иверской Божией Матери на стене церкви лечебницы Вредена. С-Петербург. Изготовлена в 1906 г. в Лондоне фирмой Дультона
Его первая персональная выставка состоялась в 1910 г. и вызвала бурные споры среди критиков; особенно много разговоров было вокруг картины «Сон», повторявшей сюжет полотна Рафаэля «Сон рыцаря» и близкой к традициям французского символизма.

аллегории. Все фигуры словно оцепенели: юноша лежит в неудобной позе на голых камнях, а девушки неподвижно стоят рядом и в упор смотрят на спящего. Вокруг голый пейзаж, а вдали дымящийся вулкан как бы предвещает надвигающуюся катастрофу.

ней проходила в деревне на берегу реки Иловли, притока Дона. Но сцену купания лошадей художник видел ещё в детстве, и вот сейчас этот бытовой мотив он превратил в символ. Это метафора, выражающая романтическую мечту о красоте и гармонии человека и окружающего мира.
На первом плане изображён юноша верхом на красном коне, и этот образ во многом сходен с традициями древнерусской иконописи с её ясностью цвета. Зелёные и синие тона реки контрастируют с пламенеющим красным цветом коня, занимающим почти половину полотна. Пространство передано условно. Эта картина своей монументальностью приближается к фреске.
Картина была показана в 1912 г. на выставке «Мира искусства», впоследствии она стала самым знаменитым произведением Петрова-Водкина.

образ матери имел особое значение как непреходящая ценность вечно возобновляющейся жизни. О святости материнства говорит и его картина «Петроградская мадонна».

стал для него в 1918-1920 гг.

К. Петров-Водкин «Утренний натюрморт» (1918).

К. Петров-Водкин. Натюрморт с розами (1922)
Если мы сравним натюрморты Петрова-Водкина с картинами законодателей этого жанра – голландцев, то для нас станет очевидным, что его натюрморты несут приметы суровой эпохи, в которую они созданы: нет того изобилия дичи и снеди, которое мы видим в натюрмортах голландцев. Вот – скудный паёк голодного времени России 1918 г.

музей (Петербург)
Художник часто вводит в свои натюрморты зеркала или просто блестящие предметы, чтобы показать игру света на предметах, выделить сам предмет во всех его аспектах. Предметы он обычно рассматривает сверху.

создавали портреты Анны Ахматовой, уже Н. Альтман написал свой известный портрет поэтессы, но Петров-Водкин сумел увидеть в Ахматовой «своё»: личность, человека многогранного таланта и внутренней широты.
Портреты кисти Петрова-Водкина имели характерную особенность: персонажи изображались крупным планом, они как бы приближены к зрителю. Он пристально вглядывается в изображаемого, что позволяет ему проникнуть в душу своего героя. Портрет Ахматовой прост и убедителен, лишён внешних эффектов.

74 × 60 см. Эстонский художественный музей (Таллинн)
Это портрет 9-летней будущей советской и российской актрисы Татьяны Пилецкой. С её родителями художник познакомился в 1926 г. и был крёстным девочки.

всей своей жизни, запечатлевая и переосмысливая те места, в которых он побывал.

К. Петров-Водкин «Негритянская деревня» (1907)

К. Петров-Водкин «Париж. Нотр-Дам» (1924)

К. Петров-Водкин «Полдень. Лето» (1917)

к мирному строительству. Раскрытию этой темы служат и фигура комиссара в полувоенном костюме, разговаривающего со стариком крестьянином, отцом хозяина квартиры, и фигуры бойцов, вернувшихся с фронта, но ещё не успевших залечить свои раны, и женщины, и дети – граждане нового общества» (К. Петров-Водкин).
Сюжет картины – празднество в рабочей семье по случаю вселения в барский особняк. Изображено около двух десятков персонажей, собранных в несколько групп. Можно видеть в картине и сатиру на новый быт, когда «уплотняли бывших буржуев».

К. Петров-Водкин ««Новоселье» («Рабочий Петроград»), 1937 г. Государственная Третьяковская галерея (Москва)
Это последняя крупная работа художника.

трети ХХ в. В ранний период творчества он испытал сильное влияние символизма и модерна, но постепенно (к 1910-м годам) выработал собственный стиль. Некоторые исследователи относят его творчество к неоакадемизму (влияние итальянской живописи раннего Возрождения, русской иконописи и французского постимпрессионизма).
Он воплотил в своём творчестве теорию «сферической перспективы», в которой благодаря использованию нескольких точек зрения удавалось охватить обширное пространство, подчеркнуть момент движения и совместить в одной композиции разновременные эпизоды.
Художник создал собственную школу, из которой вышло много художников, среди которых А. Самохвалов, Л. Фролова-Багреева, Н. Купреянов, А. Прошкин, В. Прошкин и др.

древние традиции иудейской культуры с остросовременным новаторством. Родился в Витебске 24 июня (6 июля) 1887. Получил традиционное религиозное образование на дому (древнееврейский язык, чтение Торы и Талмуда). В 1906 году приехал в Петербург, где в 1906–1909 посещал рисовальную школу при обществе поощрения художеств, студию С.М.Зайденберга и школу Е.Н.Званцевой. Жил в Петербурге-Петрограде, Витебске и Москве, а в 1910–1914 – в Париже. Все творчество Шагала изначально автобиографично и лирически исповедально. Уже в ранних его картинах доминируют темы детства, семьи, смерти, глубоко личностные и в то же время «вечные» («Суббота», 1910, Музей Валльраф-Рихарц, Кёльн). Со временем на первый план выходит тема страстной любви художника к своей первой жене — Белле Розенфельд («Над городом», 1914–1918, Третьяковская галерея, Москва). Характерны мотивы «местечкового» пейзажа и быта вкупе с символикой иудаизма («Ворота еврейского кладбища», 1917, частное собрание, Париж).

и лубок (которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму и предугадывает будущие авангардные течения. Гротескно-алогичные сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты его полотен («Я и деревня», 1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Автопортрет с семью пальцами», 1911–1912, Городской музей, Амстердам) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма.

губернского отдела народного образования в Витебске, оформлял город к революционным праздникам. В Москве Шагал написал ряд больших настенных панно для Еврейского Камерного театра, тем самым сделав первый значительный шаг к монументальному искусству.
Освоив различные гравюрные техники, по заказу Амбруаза Воллара Шагал создал в 1923–1930 годах островыразительные иллюстрации к «Мертвым душам» Николая Васильевича Гоголя и «Басням» Ж.де Лафонтена. К середине 20 века его авторитет художника – живописца, графика, мастера театрального искусства, а также декоративной керамики (которой он занимался с 1950) – получил мировое признание. По мере достижения пика славы его манера – в целом сюрреально — экспрессионистская – становится все легче и раскованней. Не только главные герои, но и все элементы образа парят, слагаясь в созвездия цветных видений.
С 1955 началась работа над «Библией Шагала» – так именуют огромный цикл живописных полотен, раскрывающих мир прародителей еврейского народа в удивительно эмоциональной и яркой, наивно-мудрой форме. В русле этого цикла мастер создал и большое число монументальных эскизов, композиции по которым украсили сакральные здания разных религий – как иудаизма, так и христианства в его католической и протестантской разновидностях: керамические панно и витражи капеллы в Асси (Савой) и собора в Меце, 1957–1958; витражи: синагоги медицинского факультета Еврейского университета близ Иерусалима, 1961; собора (церкви Фраумюнстер) в Цюрихе, 1969–1970; собора в Реймсе, 1974; церкви Санкт-Штефан в Майнце, 1976–1981; и др.). Эти произведения Марка Шагала радикально обновили язык современного монументального искусства, обогатив его мощным красочным лиризмом.

разнообразия и инклюзивности даст вашему бизнесу возможность развиваться.

8 января 1883 — по новому. Родители Филонова, как он сам пишет, — «мещане г. Рязани»; мать была прачкой, отец — кучером, а позже — извозчиком. Рано начал рисовать. До одиннадцати лет он был танцором в московских театрах. Вышивал, как и его сёстры, полотенца, скатерти.
Окончил в Москве начальную школу. После переезда в Петербург в 1897 году Филонов поступил в живописно-малярные мастерские и по окончании работал «по малярно-живописному делу».
Параллельно, с 1898 года он посещал вечерние рисовальные классы Общества поощрения художеств, а с 1903 — учился в частной мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1849—1916). В 1905 — 07 г.г. Филонов путешествовал по Волге, Кавказу, посетил Иерусалим. Завершив занятия в частной мастерской, Филонов пытался трижды поступить в Петербургскую Академию художеств; в 1908 г. был принят вольнослушателем в школу при Академии художеств, из которой он «добровольно вышел» в 1910 г.

это утверждение интеллектуальных принципов, некоторые их которых взяты с теории и идеологии художника. В живописи Филонова виден «проектный интеллект» в образе.

Павел Филонов уделял очень много времени и усилий для х удожественных изобретений и творческих идей. Он работал по 18 часов в сутки. В 1925г., найдя много последователей и поддерживающих его стиль выражения, он основал школу в Петрограде. Эта школа была закрыта правительством в 1928г. вместе со всеми частными художественными и культурными организациями.